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Strand of Oaks ravive avec un nouveau chapitre vibrant, Miracle Focus. Cet album marque un départ audacieux du travail introspectif précédent de Tim, embrassant un son qui est édictant, diversifié et profondment personnel. Tim a passé trois ans à créer Miracle Focus, une période qui l’a vu explorer de nouvelles avenues créatives à travers la peinture et le théâtre. Cette expansion artistique a été apportée un voyage de libération et une nouvelle approche de l'écriture de chansons. Fini le temps où l’on était aux prises avec un traumatisme, ramené par le désir de « faire en sorte que les gens se sentent bien ». Des influences racontes que Ram Dass, le yoga, Freddie Mercury, Alice Coltrane et les Beastie Boys racontent l'album, créant un paysage sonore joyeux riche en canapés de synthétisé et en paroles de mantra. Miracle Focus est un effort de collaboration, avec le producteur Kevin Ratterman (Ray LaMontagne, Heartless Bastards, Joan Shelley) de retour en tant que partenaire clé. Ensemble, ils ont réalisé un flux créatif sans faille dans le studio, revigoré par la présence de Lacey Guthrie à la voix. Le titre de l'album, Miracle Focus, incarne l'énergie collective qui émerge lorsque les individus se retrouvent avec un mais et une passion. C'est une célébration de la félicitation et de la beauté simple de l'existence. Chaque chanson de Miracle Focus offre une expérience sonore et lyrique unique : « More You » met en scène, exhortant les auditeurs à embrasser un esprit d’amour et de lâcher prise. La « communication » invite à la connexion par le mouvement et l’expression joyeuse. "Ananda" plonge dans la sensualité de la connexion et de la pratique spirituelle. Le « Temple futur » est un appel à construire un temple personnel de désir et d’amour. "Party at Monster Lake" accueille les inadaptés, célébrant la communauté et l'acceptation. "Switched On" favorise l'abandon du poids de l'expérience et embrasse le moment présent. « Navigateur » encourage la médiation et la découverte de soi. "Ascend You" marque une transformation personnelle alimentée par l'exploration créative. "Fantasy Wranglers" célèbre les moments de joie qui rendent la vie spéciale. "Miracle Focus" sert de rappel pour apprécier la beauté et la merveille de l'existence. Avec chaise écoute, Miracle Focus élève, inspire et invite les auditeurs à embrasser les miracles en eux-mêmes et dans le monde qui les entoure. C'est un témoignage du pouvoir de la musique de se connecter, de guider et d'approuver de la joie.

Miracle Focus

Drifts and Surfaces est un ensemble de trois pièces, chasse œuvre provenant de commandes, et unifié par des thèmes communs : le flux entre le mouvement éphémère et la stase quotidienne, le paradoxe de la beauté extraordinaire et banale, et l’ambition et l’oisiveté, qui définit la 21e trimestre. Saxl continue d’utiliser l’ensemble de musique de chambre aux côtés du synthé analogique et de l’expérimentation numérique, s’accordant ainsi aux émotions textuelles et aux détails visuels des petites actions. Alors que son LP révolutionnaire de 2021, The Blue of Distance, traitait des enregistrements des Adirondacks et du lac Supérieur, le matériel source de Saxl principe de percussions live et d'autres instruments. Le projet a commencé en 2018 dans le quartier Red Hook de Brooklyn, dans l'espace de pratique que le groupe de Saxl partage avec le trio de percussions Tigue. Plus tard cette année-là, ils ont effectué une résidence ensemble et ont capturé la pièce avant que la pandémie ne s’installe. En 2021, elle a commencé une nouvelle commande avec Third Coast Percussion de Chicago. Drifts partage son titre avec le roman 2020 de Kate Zambreno, où le protagoniste est fasciné par le travail de Chantal Ackerman, qui présente les formes typiques féminines invisibles du travail domestique comme étant tout aussi présentes pour les activités plus communement réfléchies productives comme commerciales. Saxl pose Drifts dans l'esprit de cette femme féministe : "Il peut y avoir une petite lignée de femmes qui explorent cette idée et célèbrent une petite action dont j'espère continuer le travail." La dernière pièce, "Surfaces", a été commandée par le Musée Guggenheim en conjonction avec la rétrospective Alex Katz en 2022. Le groupe - composé de Henry Solomon sur saxophone baryton, Robby Bowen sur marimba de verre, et Saxl - penche dans la lumière, des tons ruminatifs inspirés par l'approche actuelle de l'esprit du peintre pionnier. Le travail de Katz trait de la perception optique des « choses rapides qui passent », comme la limalité du crépuscule lorsque les contours d’un objet commençant à devenir fou. « La façade dont notre perception des choses change, non pas parce qu’elles changent, mais parce que nous changeons », explique Saxl. Je veux que ces changements vraiment mineurs soient dramatiques, pour renvoyer le mouvement imaginé dans ses peintures. En revenant à la vue des "Surfaces" dans l'ensemble, Saxl trouve le courant qui traverse, le concept du soi faisant partie de quelque chose de plus grand. La représentation de Katz de plusieurs générations d'artistes de New York m'a inspiré à réfléchir qu'il n'y a pas de «moi» individuel en tant qu'artiste sans les artistes qui m'ont précédé et la communauté d'artistes avec laïque jai'i. La délimitation entre nous s’estompe, et j’ai l’impression d’être porté sur une surface entrelacée formée par la communauté qui m’entoure. En même temps temps, je sais qu’en fin de compte, je me tourne vers l’intérieur et nager seul.

Dérives et Surfaces

Kaitlyn Aurelia Smith Euclid CD. Auteur : Kaitlyn Aurelia Smith.

Kaitlyn Aurelia Smith Euclide CD

Avec Drifts and Surfaces, la compositrice électronique expérimentale américaine Elori Saxl s’épanouit tranquillement dans la synthèse actuelle. L'ensemble de trois pièces provient de trois commissions différentes, chacune influencée par son expérience de la vie sur Madeline Island, une petite île dans le lac Supérieur, et unifiée par des thèmes communs qui explorent comment la technologie en est venue à définir notre vie quotidienne: le flou des mondes physiques et numériques, la compression et la datafication de l'expérience humaine, et le paradoxe de la stase quotidienne et du changement constant. Saxl continue d’utiliser l’ensemble de musique de chambre aux côtés de l’expérimentation numérique, s’accordant profondément à l’émotion texturale. L’île Madeline marque la dernière masse terrestre avant les eaux glaciales et dévorantes du lac Supérieur. « J'essayais de capturer le sentiment de disparition de l'horizon, de perte, de crainte et de puissance sombre qui semble vraiment inné au lac Supérieur », explique Saxl. Il change aussi constamment - les dérives changent de direction, l'eau devient de la glace, la glace se brise et devient des vagues. Il y a un mouvement constant des dérives aux surfaces, des surfaces aux dérives. Alors que son LP révolutionnaire de 2021, The Blue of Distance, a travaillé avec des enregistrements du lac lui-même, le matériel source de Saxl ici provient principalement de percussions en direct et d'autres instruments en direct. Dans "Drifts I" et "Drifts II", commandés par Chicago's Third Coast Percussion et Brooklyn's Tigue, les parties de percussion s'entremêlent comme des plans d'eau mouvants avec des rouleaux de batterie Saxl transformant en accords expansifs. "Surfaces", commandées par le musée Guggenheim pour la rétrospective Alex Katz de 2022, présentent des cordes, du saxophone et des marimbas en verre. Saxl traite les instruments acoustiques à travers diverses formes de manipulation numérique qui provoquent distorsion et détérioration, reflétant l'expérience pixélisée et perdue de la vie à l'ère numérique. Drifts and Surfaces offre un instantané d'un artiste en constante évolution, absorbant les impressions de la vie avec un son minimaliste, hypnotique, viscéral et presque tangible.

Vides (2LP)

Le chanteur Luke Temple, ex-Here We Go Magic, émerge avec un nouveau projet, Luke Temple et The Cascading Moms. Premier album, Certaines limites. Loué pour ses contributions à Here We Go Magic et Art Feynman, Luke Temple approuve ses grooves et mélodies signature à son nouvel album Certain Limitations. Le son du trio prend l'influence de Dire Straits et The Velvet Underground, tentant ensemble des œuvres de guitare complexes et une section rythmique propulsive, avec une touche de sensibilité jazz qui rappelle le catalogue ECM. Un produit de sérénité, The Cascading Moms ont été formés quand dans le besoin d'un groupe pour un prochain spectacle, Temple a réuni Kosta Galanopolous, un collaborateur de son projet Art Feynman, et Stuart, un musicien qu'il sait déjà à Los Angeles. Lorsque ces trois-là se sont réunis pour récidive, une étincelle s’est allumée, révélant une connexion créatrice qui a transcendé ce premier spectacle qui les a réunies. Le premier single de l'album, "I Can Dream", est placé à l'origine dans Half Price At 3:30 d'Art Feynman. Cependant, après l'avoir retrouvée avec les mamans en cascade, la chanson a pris une nouvelle vie. Cette réinvention illustre le concept de base de Certain Limitations : une collection de chansons affiliées et remodelées à travers les improvisations et l’esprit de collaboration de trois musiciens créateurs et explorant un nouveau monde sonore.

Certaines Limitations

Format: Vinyle (1 disque)Pays: USAStudio/Live: En directDate de sortie: 16 Septembre, 2016Étiquette: VINYLE OCCIDENTALDimensions: 32 x 2,5 x 30,5 centimètres (0,48 kg)

Le Long d'Un Plan Qui S'Évanouit

Chuck Johnson est un compositeur, producteur et musicien californien. Il aborde son travail avec une oreille vers la recherche de défauts et d'instabilités qui pourraient révéler la beauté latente, avec un accent sur la guitare en acier à pédale, l'électronique expérimentale, les systèmes de réglage alternatifs et la composition pour le cinéma et la télévision. Les enregistrements de son travail ont été publiés par Thrill Jockey, Temporary Residence, Kompakt, Ghostly et Three Lobed, entre autres. Entre 2011 et 2015, Johnson a publié un triptyque de solo guitare LP - Une lutte pas une pensée, Crows dans la basilique, et Blood Moon Boulder - qui sont devenus des pierres de touche de guitare acoustique du 21ème siècle. Balsams, son premier album à la plate-forme de pédale de guitare en acier, a été décrit par Pitchfork comme « singulier » et « un hymne triste construit à partir de couches de cordes coulissantes, en cascade avec une stature zen ». En 2019, il a collaboré avec Marielle V. Jakobsons pour sortir leur premier album sous le nom de Saariselka pour Temporary Residence Ltd. La suite du célèbre Balsams LP de Johnson, The Cinder Grove, approfondit les possibilités de composition de la guitare en acier à pédales dans le contexte des arrangements d'ensemble de chambre pour cordes, orgue et piano. Les crédits de Johnson en tant que compositeur de films comprennent des partitions pour la série HBO Burden of Proof et les populaires émissions PBS Somewhere South et A Chef's Life. En 2009, il a obtenu une maîtrise en musique électronique et en art intermédia au Mills College, où il a étudié la composition et la musique électronique avec Pauline Oliveros, Maggi Payne, Chris Brown, John Bischoff, Laetita Sonami et James Fei. Son travail en tant qu'ingénieur du mixage et du mastering comprend des sorties de Room40 records, No Quarter, Three Lobed Recordings, Temporary Residence, Bill Orcutt, Allison Russell, Nathan Salsburg, claire rousay, Daniel Bachman, Body/Head, et plus encore.

Sun Glories

L'EP Anne est la suite de la célèbre suite harmonique Anne 2018 de Joseph Shabason, à travers laquelle il a examiné et traité la lutte de sa mère contre la maladie de Parkinson. Employant un petit casting de soutien qui comprend le chanteur Dan Bejar (Destroyer) et le guitariste Thomas Gill (Owen Pallett), Anne, EP met en lumière le saxophoniste torontois alors qu'il construit des troposphères empathiques de bois et de synthétiseurs, approfondissant le sentiment établi par l'album compagnon de l'EP. Ce faisant, Shabason consolide davantage le jazz, le design sonore ambiant et le renouveau du nouvel âge dans un nouveau genre opportun.

Anne Ep

Sous l'entreprise d'une brute rurale, la voix de Hatcher-Williams apaise et enchante l'auditeur lors de ses débuts épiques, qui raconte son odyssée d'un enfant élu dans un culte de Virginie à un travailleur de la technologie instruit à New York, puis de son épouse de mariage dans un culte de Virginie d'origine à New York, puis de son épouse. Tout au long de l’album, il explore l’identité en ce qui concerne l’endroit d’où une personne est originaire et évolue avec l’endroit où elle vit, et commente cette facette de soi est encore aggravée par la quantité d’agence que l’on a sur l’endroit où elle se trouve. Dans une certaine mesure, Lamplight consiste à apprendre quand prendre les rêves et quand lâcher prise pour découvrir quelques parties de vous-même devoir être queuelées, finir que de nouvelles branches puissent croissant. Hatcher-Williams, né dans une communauté new age basée dans le sud-ouest de la Virginie, a passé ses premières années dans des études d'art et de jeu dans divers groupes, avant d'étudier la conception et la programmation dans un collège communautaire local. Une opportunité d'emploi l'a amené à démonager à New York avec sa femme, où il co-fondera bienôt une agence de design numérique, et ses ambitions musicales sont tombées au bord du chemin. Le stress de cette carrière existante et de la vie de la ville a commencé à prendre un lourd tribut sur sa santé mentale et physique, ainsi que son mariage; il a commencé à prendre une vie plus simple avec son partenaire et un dernier arrêt les voies avec la compagnie. C'était une rencontre fortuite avec une vieille ferme dans la Virginie rurale qui a instantanément fourni un sentiment de maison bien nécessaire, et un conduit le couple non amarré à retourner dans leur état natal. Dans l'année qui S'écoula entre le moment où il décide de revenir en arrière et celui où il S'en rend compte, Hatcher-Williams écrit et enregistre ce qui va devenir Lamplight, tentant de transformer et de distiller certaines de ses expériences en chansons. Bien que l'album ait des moments qui font allusion à la dentelle antique et aux plancheurs souriants du folk traditionnel, Lamplight biaise le moderne, en partie grâce à la production habitée de Copeland. Hatcher-Williams a rencontré Copeland alors qu'ils vivent à Brooklyn, et comme ils ont appris à se connaître, il a retrouvé qu'il avait passé des années à jouer dans des groupes avant que sa carrière a pris vie. Les encouragements de Copeland, rédigés aux changements concomitants dans la carrière et la vie domestique d'Hatcher-Williams, lui donnent la confiance nécessaire pour revisiter cette partie de lui-même qui semblait inachevée. La lampe onirique vous semble à la fois familiale et nouvelle; c'est une pièce que vous connaissez mais vous ne pouvez pas placer, le fragment d'un souvenir que vous ne pouvez pas épeler. Il y a de l'amour mais aussi des attitudes de panique, des réalisations et des comptes à rendre, des questions aux côtés des résignations, et de la confrontation aussi que de l'invitation. À la fin de l'album, vous avez l'impression que Ian Hatcher-Williams a appris qu'il n'est pas le dogme qui a trop promis et qui n'a pas été livré, et qu'il n'est pas l'ambition de jeunesse qui l'a conduit au bord de l'autodestruction. C'est une machine douce avec des limites, improvisant et s'adaptant, recherchant l'équilibre et le sens du lieu, comme tout le monde.

Western Vinyl(12)

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